Desde las vidrieras de 3 metros de altura hasta los trazos deliberados del pincel de un calígrafo, el arte siempre ha sido esencial para las tradiciones religiosas. Las imágenes prohibidas, los manuscritos iluminados e incluso los mapas atestiguan la creatividad que los humanos aportan al proyecto de hacer tangible lo trascendente. Los artistas hacen que el significado se manifieste visual, táctica y auditivamente. Estos cinco artesanos están animados por su propia fe -y a veces por la de otros- para dejar el mundo más bello de lo que lo encontraron.
«En busca de la perfección imposible» – Josh Berer, calígrafo
El camino de Josh Berer hacia la caligrafía islámica comenzó pintando edificios con spray cuando era adolescente. En su instituto de Victoria, en la Columbia Británica, había un muro de grafitis para que los artistas callejeros mostraran su arte.
«El grafiti consiste en hacer arte con la palabra escrita, al igual que la escritura árabe. El árabe lo hace de forma natural», dice Berer.
Berer, que es judío, empezó a estudiar árabe cuando estudiaba en el Bard College. Sus estudios de árabe le han proporcionado «una afinidad por una civilización distinta a la mía que los medios de comunicación contemporáneos dicen que son enemigos», dijo Berer. Experimentó con la escritura árabe en sus grafitis, pero se decidió por la caligrafía en su práctica tradicional.
El Bard College no ofrecía una especialización en árabe, por lo que Berer se trasladó a la Universidad de Washington en Seattle para obtener su título. Después de graduarse en 2007, viajó a Yemen para estudiar árabe, donde su profesor fomentó su amor por la caligrafía. Su profesor le recomendó que fuera a Estambul a estudiar caligrafía. Estambul, dice Berer, es la capital de la caligrafía islámica debido a la comunidad de artistas que se reúnen en el barrio de Üsküdar, muchos de ellos para conocer al maestro calígrafo Hasan Çelebi.
«Çelebi es el único responsable de que la caligrafía haya pasado de este rescoldo en la década de 1970 a la actualidad», afirma Berer. «Para muchos calígrafos, el día que conocieron a Hasan Çelebi es un momento decisivo en su vida», añadió.
¿Cómo es una clase de caligrafía?
Berer dijo que ha sido igual durante cientos de años: A un novato se le asigna una sola línea: «Señor, hazlo fácil, no lo hagas difícil, Señor, haz que termine bien». Berer dijo que esta breve oración era popular durante el Imperio Otomano, cuando se desarrolló el plan de estudios. «En esta línea están contenidos todos los secretos de la caligrafía», dice el profesor al alumno.
El alumno copia ese guión antes de su lección de la semana siguiente. En su clase, el profesor toma un pincel con tinta roja y repasa el trabajo del alumno, corrigiéndolo.
«En mi primer encuentro con Çelebi, ni siquiera se molestó en usar la tinta roja y trazó las correcciones con un lápiz», dijo Berer. Çelebi, dijo, está afectado por el Parkinson. «Sus manos no dejan de temblar, pero en cuanto coge un lápiz, son suaves y firmes», dijo.
Un alumno aprueba su primera lección cuando puede copiar la frase sin necesidad de corrección. Berer tardó dos años en aprobar su primera lección.
Çelebi recomendó a Berer que estudiara con Mohamed Zakariya en Washington, D.C. Berer siguió la recomendación y ha estado asistiendo a lecciones semanales con Zakariya desde 2012.
Para Berer, la comunidad de calígrafos islámicos se siente como si formara parte de un movimiento artístico y una comunidad que ha desaparecido en Occidente. «El arte contemporáneo en Occidente, al menos, se ha alejado tanto de lo que me atraía originalmente en el arte: hacer algo que lleva mucho tiempo aprender, que hay rúbricas reales de habilidad, de bondad y maldad», dijo Berer.
«El peso de la belleza que tienes como calígrafo», dijo, «es la manifestación física de la divinidad de las propias palabras». Berer dice que la caligrafía siempre se esfuerza por alcanzar una asíntota de perfección.
«Dios es divino y los humanos no, así que es imposible alcanzar esa perfección», dijo Berer. Pero la lucha por crear algo cada vez más bello y más perfecto -y hacerlo dentro de una comunidad de artistas que se esfuerzan por lo mismo- da a Berer un sentido profundo. La belleza es una carga que soporta con gusto.
«Cuanto más sabes, más quieres saber» – Russell Joy, vitralista
Si le enseñas a Russell Joy una vidriera, enseguida te dirá de dónde procede y quién la ha hecho.
«Cada estudio tiene su propio estilo, y es relativamente fácil de reconocer. Al menos eso creo», afirma.
Después de 40 años haciendo vidrieras y estudiando el arte, debería saberlo. El trabajo de Joy como artista de las vidrieras forma parte de una tradición religiosa muy antigua, y dice que empezó a aprender estudiando a los maestros y haciendo reparaciones. Las reparaciones son una forma habitual de aprender el oficio, dice Joy.
«Ves lo que han hecho otros artistas a lo largo de los años y te preguntas: ‘Dios mío, me pregunto cómo lo han hecho’. Y recibes piezas de reparación y tienes que averiguar: ‘Vale, ¿cómo lo han hecho?'». dijo Joy.»
Joy empezó a trabajar en Ohio, haciendo chapuzas con las vidrieras por su cuenta, hasta que finalmente comenzó un aprendizaje en Pittsburgh Stained Glass Studios durante tres o cuatro años, dijo.
Tras seis años en Nueva York, en los estudios Rambusch, se trasladó a su lugar actual en Kansas City.
Ahora tiene una sólida cartera de clientes, por lo que Joy dice que hace tiempo que no tiene que aceptar trabajos de restauración o reparación. Su negocio se ha mantenido estable, excepto durante la recesión de 2008-2009, cuando dijo que tuvo que despedir a cuatro trabajadores a tiempo completo y a uno a tiempo parcial. «El teléfono no sonó durante un año», dijo Joy.
Pero desde entonces, el negocio está en auge. Al menos la mitad de su negocio, dijo, es para las iglesias. El estilo favorito de Joy es el de las vidrieras alemanas delicadamente pintadas, como las del famoso estudio Mayer de Múnich.
A diferencia de la pintura al óleo, para pintar vidrieras hay que aplicar la pintura y luego rasparla capa a capa, prestando atención al momento exacto en que la cantidad de pintura sobre el vidrio es la adecuada. «Puedes conseguir que un trozo de vidrio sea realmente suave y hermoso; es entonces cuando la vidriera cobra vida», dice Joy. Describe ese delicado momento como una experiencia espiritual.
Para Joy, lo mejor es, bueno, la alegría. Le encanta ver las caras de la gente cuando ven la luz que entra por las vidrieras recién instaladas. Dice que la vidriera hace brotar lágrimas de los ojos de los espectadores o provoca sonrisas exuberantes.
Aunque lleva más de cuatro décadas practicando el oficio, Joy está lejos de agotar su riqueza.
«Cuanto más sabes, más quieres saber», dice.
«Los libros de hoy en día son aburridos»- David C. Kraemer, bibliotecario
David Kraemer volvió a ser un estudiante cuando se convirtió en bibliotecario jefe del Seminario Teológico Judío de Manhattan.
«Los estudiosos de los textos tienden a centrarse en ellos independientemente del objeto en el que se encuentran», dijo. Pero al hacerse cargo de la biblioteca del seminario, con su deslumbrante colección de textos litúrgicos judíos, manuscritos y volúmenes iluminados, Kraemer, profesor de Talmud y rabinos, dijo que se ha encontrado aprendiendo del objeto en sí mismo: el texto físico y las ilustraciones y adornos que lo acompañan.
«Hay mucho que aprender en los márgenes», dijo.
Aunque el judaísmo tiene un mandamiento contra las imágenes esculpidas, Kraemer dice que es un error pensar que esto frena la creatividad judía. «Una de las áreas más importantes de la práctica religiosa es la transgresión», dijo con una risa irónica. Los judíos de todo el mundo nunca han dejado de hacer arte que, para algunos practicantes, transgrediría definitivamente una determinada interpretación de ese mandamiento, dijo.
Aunque el arte judío ha sobrevivido desde la antigüedad tardía en la arquitectura, la pintura y la artesanía material, Kraemer cree que los libros son una forma particularmente especial de arte conservado. «Lo que ha sobrevivido de la cultura judía después de la antigüedad tardía, más que cualquier otra cosa, son los libros», dijo.
La colección de libros raros del seminario cuenta con más de 30.000 libros impresos, 11.000 manuscritos y 43.000 fragmentos. Su colección incluye un mahzor iluminado, o libro de oraciones, del siglo XV, anteriormente propiedad de los Rothschild; pergaminos profusamente decorados que cuentan la historia de Ester; y 600 contratos de boda o ketubah.
El seminario ha sido objeto de un gran proyecto de remodelación desde 2015. En el rediseño, el seminario ha destacado piezas de su colección de libros raros en las paredes del gran espacio común del atrio, sacándolas de las colecciones y llevándolas al espacio público.
Y, sobre todo, Kraemer señala que la biblioteca es una de las primeras salas que recibe a los estudiantes cuando atraviesan las puertas del seminario. «Esta es una forma de enfatizar la centralidad de la biblioteca», dijo.
Kraemer dijo que su pieza favorita de la colección cambia cada hora. Pero le maravillan las ilustraciones micrográficas: diminutas letras y palabras hebreas pintadas para formar la flora o la fauna de las decoraciones de los manuscritos.
Cuando examina incluso fragmentos mundanos de registros diarios o cartas conservadas del siglo I, la sensación de santidad le impresiona. «Parece que sentían que la propia lengua hebrea, las letras, eran sagradas», dice Kraemer.
«El mandala interior es más importante» – Gueshe Lobsang Kunga, monje tibetano
La creación de mandalas es un rito de iniciación tántrica en el budismo tibetano. Un mandala es un diagrama cósmico que representa el palacio celestial de una deidad. Los mandalas suelen estar hechos de arena, pero pueden fabricarse con diversos materiales, como granos de arroz, telas o estructuras tridimensionales más grandes de madera y cobre.
Gueshe Lobsang Kunga, director del Centro Cultural Budista Tibetano-Mongol de Bloomington (Indiana), es monje tibetano desde hace más de 40 años. Durante ese tiempo, Kunga ha construido muchos mandalas. Para los monjes budistas tibetanos, dice Kunga, el mandala es principalmente una experiencia de meditación y concentración.
Kunga nació en el Tíbet en 1964 y entró en el monasterio en 1980. Tras 17 años de estudio de las seis perfecciones del budismo, se marchó a un monasterio del sur de la India para profundizar en la meditación tántrica.
Kunga llama al mandala un plano, y hay muchos diseños diferentes de «casa». «El mandala es el palacio celestial de Buda, por lo que depende del diseño individual que se realice», dijo.
Un monje veterano que haya practicado el diseño del mandala a la perfección guiará el proceso de montaje del mandala. Kunga dice que un equipo de seis a ocho monjes puede tardar alrededor de una semana en hacer un mandala de arena.
Mientras vierten y dan forma a la arena de colores brillantes con pequeños embudos y raspadores, los monjes llevan máscaras para no tirar la arena al hablar, estornudar o toser. El primer monje comienza a dar forma al centro del mandala. Poco a poco, el equipo de monjes va aplicando la arena de colores hacia el exterior desde el centro.
Los diseños deben ser tridimensionales, dice Kunga, incluso los mandalas de arena planos. Son un plano, dice, que traza intrincadamente un hogar para un dios. Tienen cuatro puertas para representar las cuatro direcciones del viento y a menudo incluyen patrones que indican los atributos divinos. Una vez completadas, estas obras creadas con tanto esmero se destruyen.
Los monjes meditan mientras crean el mandala, rezan a su alrededor durante su breve periodo de vida, y luego lo desmantelan lentamente barriéndolo. La destrucción del mandala de arena pone de relieve que un mandala no tiene que ver tanto con el producto exterior como con el diseño interior, dice Kunga. «Es más importante tener la estructura, el detalle y la imagen del mandala en la mente durante las visualizaciones», dice. Al verdadero palacio celestial se accede a través de la meditación de cada monje que participa en la creación del mandala.
«El arte y la ciencia se convierten en una celebración» – Molly Burhans, cartógrafa y activista
Desde su casa de New Haven, con una americana morada y una camiseta gris, Molly Burhans infunde creatividad a su trabajo a tiempo completo como directora ejecutiva de GoodLands. GoodLands utiliza técnicas cartográficas digitales contemporáneas para ayudar a las parroquias, universidades y monasterios católicos a inspeccionar sus propiedades y gestionar sus terrenos. La empresa de cartografía digital de Burhan le ha valido un amplio reconocimiento, desde las Naciones Unidas hasta el Vaticano.
La dirección de GoodLands, admite, significa que la mayor parte de su tiempo se dedica a la administración más que a la creatividad. Sin embargo, «cada producto que creamos tiene que ser bello», insiste.
«La belleza forma parte de todo lo que hacemos», dice, incluso para algo que podría ser sólo una hoja de Excel. «De hecho, construí una pieza de software a medida que integra el calendario litúrgico en una superposición en nuestro presupuesto».
Burhans incluyó el calendario litúrgico católico completo en esta superposición -no sólo el ciclo de los tiempos católicos de Cuaresma o Navidad- sino cada día de fiesta de cada santo -incluso los más oscuros-.
«Tal vez algún día consiga dormir», dijo.
A Burhans siempre le ha gustado trazar historias de forma visual. Ella y su hermano hacían presentaciones de 200 diapositivas en PowerPoint de varios cuentos. Uno de sus favoritos era el de la pandilla del desayuno, un grupo de comestibles que luchaban contra el crimen.
«Resolviendo crímenes antes del almuerzo. La pandilla del desayuno, la pandilla del desayuno, el detective de las tostadas, tiene una corazonada. ¿Dónde está el tocino? No lo sé», canta Burhans con la melodía del tema de Spiderman.
Burhans tenía 14 años cuando su padre invitó a su hija, amante de los SIMS y constructora de fortalezas, a diseñar un visual para su investigación sobre la muerte de las células de la levadura. A partir de ahí, Burhans se dedicó a hacer ilustraciones científicas y visualizaciones de datos mientras practicaba el ballet y la coreografía de danza moderna.
«La coreografía es un arte totalmente envolvente. El cuerpo humano es un instrumento en el paisaje del espacio, o muchos cuerpos, juntos, en una especie de comunión», dijo. Lo relacionó con su actual afición a la cartografía. Burhans tomó lo que describió como un camino «sinuoso» en la universidad. Se describe a sí misma como agnóstica en ese momento, pero empezó a anhelar, como ella misma dijo, «llenar el infinito» dentro de ella.
La ciencia la condujo a su fe. Comenzó a trazar un mapa de los sistemas del cuerpo y se asombró de su diseño molecular y celular. «Si no podía amar el alma, al menos podía amar esta obra maestra», dijo.
Durante su último año de universidad, tuvo lo que ella llama un momento de conversión de 20 minutos. Se encontró con la verdad de que el sentido de la vida era el amor. Fue a un médico para ver qué le pasaba. Y luego acudió a un jesuita para tratar de averiguar cuál era exactamente la pregunta cuya respuesta era el amor.
Burhans fue bautizada como católica y, finalmente, después de tomar clases de filosofía avanzada y considerar brevemente la vida religiosa como hermana, se confirmó como católica.
«El arte cambió, y la ciencia cambió para mí: dieron un giro como celebración», dijo. Y su trabajo cartográfico es, en última instancia, una celebración.
La doctrina católica de la Eucaristía, dice, es esencial para su trabajo.
«Los mapas son herramientas poderosas», dijo Burhans. Los comerciantes de especias se mataban por los mapas en el Renacimiento. Pero Burhans considera que abren otras riquezas: para desbloquear el potencial de la tierra.
Para ella, esto es un eco de la comprensión católica del «potencial eucarístico del mundo», de que todo puede convertirse en una celebración de la creación y del sentido último de la vida: el amor. En su caso, los mapas, bella y cuidadosamente diseñados, pueden coreografiar la interacción humana con el mundo y liberar el potencial de lo que la fe tiene y lo que la fe puede crear.
Fuente: Religion News